Mes pratiques sont multiples. Elles l’ont toujours été depuis mes études d’arts appliqués.
Même si elles se sont essentiellement concentrées sur la sculpture et le mobilier ces dix dernières années, il m’arrive encore de travailler avec l’image, le son, l’installation. C’est la nature des choses qui m’intéresse. Pas comme elles se présentent à priori, mais plutôt comme on peut les appréhender selon leurs représentations, leurs manipulations.

Il s’agit non pas de tromper le regardeur (encore que) mais de le chahuter dans ses certitudes. Le surprendre ou simplement le faire sourire.

Dès mes premières vidéos, faire du faux avec le vrai m’a toujours inspiré. Que l’improbable devienne possible. Juste pour le plaisir de donner à voir autrement plutôt que de faire croire. Distinguer le trafiqué du réel n’a jamais été ce que je cherchais à éviter. Plus que jamais il faudra faire avec leur cohabitation. C’est la petite histoire racontée qui compte.

Pour la sculpture, quelque soit l’objet final, jamais vraiment défini au préalable, le matériau de départ, qu’il soit morceau de bois, plâtre liquide ou pièce d’acier indéterminée, subira de multiples transformations pour devenir autre tout en conservant une part de son intégrité. Aller chercher dans ses limites en jouant avec ses propriétés. Beaucoup ne résistent pas à l’épreuve, c’est le jeu.

Le mobilier et ce qui s’y apparente relève d’une démarche un peu similaire. Chercher des tensions, des équilibres, des rapports de proportions, de contraste…Autant de facteurs qui feront de la pièce un objet intéressant ne serait-ce qu’en le regardant. Et tourner autour pour le voir autrement encore.

Entretien avec Patrick Renaud. Avril 2022.

Pour un livre sur mon travail en sculpture. Faire. Déjà pour voir. Imprimé à 250 exemplaires. 2022

Au cours de discussions, tu me disais que ta formation artistique au sens classique a commencé avec l’école ATEP et cependant, tu me parlais de Francis Bacon comme d’un choc visuel. Pourtant tu avais peu d’intérêt pour la peinture, celle-ci ne pouvant montrer « la nature des choses ». À la différence d’un artiste comme Arcangelo Sassolino. Pourquoi lui plus particulièrement ?

C’est à l’ATEP que j’ai découvert Bacon. En commençant cette école, je n’avais strictement aucune culture artistique. Voir les autres élèves déjà fans de tel ou tel artiste m’a sans doute un peu contraint à affirmer des goûts que je n’avais pas. Bien que Bacon m’avait particulièrement frappé, j’ai sans doute surjoué une admiration pour cet artiste, parce qu’il fallait bien en choisir un. De même qu’il était souhaitable à mon âge d’avoir des opinions politiques précises. Que je n’avais pas non plus. 

Je ne suis pas très curieux de mes contemporains et pas tellement non plus des anciens. À tort certainement, mais…Si je dois te citer un artiste dont le travail me plait particulièrement, alors oui, je dirais Arcangelo Sassolino. Parce que son travail relève de l’expérience aussi. D’une pratique physique, mécanique sur la matière pour la faire parler. La faire gueuler serait d’ailleurs plus juste, tant il la maltraite. J’aime aussi la démesure des moyens engagés pour le résultat visé; le soin accordé aux détails pour produire un effet à la fois spectaculaire et sans plus d’intérêt que ça. Je n’ai jamais rien lu de lui mais je pense que l’on partage cette envie simple de « voir ce qui se passe ».

Dans ton travail, il y a ce que j’appelle les œuvres construites et les œuvres de collecte. Les premières font référence à un moment dans une action, les secondes à des ressemblances avec un visage, un corps, trouvés dans la nature dans des pierres, du bois ou autres matériaux. Ces prélèvements, tu vas leur donner un autre statut, par un socle, un coffret, des ajouts etc. Extraits de leur contexte ces détournements de sens posent la question : qu’est-ce qu’on voit vraiment ?

Œuvres construites et œuvres de collecte…On peut effectivement distinguer ces deux catégories, même s’il arrive qu’elles se retrouvent mêlées. La collecte remonte à bien avant mon éducation artistique. Je n’avais pas 10ans, je pense, quand j’ai ramené chez moi, fier de ma trouvaille, un crâne de chat prélevé sur un cadavre desséché. J’étais fasciné par la finesse de l’objet, sa symétrie, sa délicatesse, en mettant totalement de côté l’aspect morbide de cette collecte. Un vrai petit trésor. Mais c’est bien plus tard que j’ai commencé à en faire autre chose, et pas seulement les accumuler. 

Tout objet, fragment plutôt, naturel ou industriel, peut engager le début d’une pièce, pourvu qu’il ait retenu mon intérêt par sa forme et une évocation plus ou moins immédiate. Il ya une énorme déchetterie de ferraille où je vais de temps en temps, comme les amateurs de champignons partent en forêt. J’ai droit à 45 minutes après l’arrêt des machines, seul parmi les gigantesques monticules, pour dénicher quelques beaux morceaux. J’aime bien ce temps limité qui oblige à des choix rapides. Si la pièce est accessible, transportable immédiatement, si elle tient seule une fois déposée au sol, dans une posture intéressante, je la mets dans le coffre. Et on verra plus tard. Il peut se passer beaucoup de temps avant la première intervention dessus.

Mais alors qu’est-ce qu’on voit vraiment… ? C’est justement cette question que je souhaite soulever, pour mieux la laisser en suspens. Parce que même après avoir touché (j’y invite souvent), avoir caressé (parce que le toucher y invite à son tour),il n’est pas forcément évident de déterminer la nature exacte de l’objet en question. Et qu’en est-il de son statut ? De la curiosité qu’on lui accorde.Qu’il soit sur une étagère, à la maison, ou sur le socle blanc d’une galerie branchée, ne change pas sa nature mais bien son statut et donc sa valeur supposée. J’aime jouer avec les artifices qui peuvent contribuer à brouiller les pistes. Un fétiche antique ? Une œuvre fraichement réalisée ? Un entre-deux qui pourrait faire « penser à » mais en fait, non, ou pas sûr. 

J’invente une histoire aux pièces que je propose. Ou je la transforme.  Peu importe le vrai du faux, ils se confondent de toute manière. L’intention est de donner à voir ce qu’on ne rencontrerait pas autrement et qui suscite l’étonnement.

Il y a souvent aussi de l’humour dans ces détournements…

Oui. Parce que c’est mon outil de connivence de prédilection. Dans mes rapports sociaux aussi. Un pas de côté sur le réel souvent emmerdant. Dans mes propositions, l’humour tient, je crois, au décalage absurde ou à la préciosité accordés à quelquechose qui n’en a pas. Mon Saumon fumé entier en tranches en bois et son étui(tel est son titre) est une bonne illustration du sérieux que j’accorde à l’humour. Ce sérieux se traduit par une application aux détails de la « mise scène ». Une préciosité qui peut paraitre un peu ridicule au regard de la nature de l’objet, mais qui finalement le sert pour l’emmener vers un statut autre que celui de résidu. Je trouve cela drôle moi, de découvrir un saumon fumé en bois dans un délicat coffret conçu spécialement pour lui. C’est quoi un objet précieux?

Dans les « œuvres construites », il y a plusieurs éléments, soit au sein de la sculpture elle-même, soit dans ses répercussions, c’est à dire dans ce qu’elles peuvent tisser entre elles. Le premier est l’idée d’équilibre fragile, de pose instable, avec les poutres par exemple. Le second, qui montre des poches molles contraintes par compression. Il y a là un développement avec un avant et un après. Ton travail consiste à saisir l’instant en suspens avant l’éclatement, la rupture…

C’est ça. Jusqu’à la limite. Figé au bord. Mes poches éclatent souvent, mais dans ce cas, la sculpture n’a même pas eu le temps d’exister. Quand elles sont réussies et que je juge le résultat intéressant, elles peuvent encore finir par se briser. C’est le jeu. Je ne vais pas les consolider pour leur assurer une longue vie. Il y a des limites à la tricherie.

L’instant en suspens... J’aime bien cette vision. Contrairement à Sassolino qui lui, met en scène « la rupture » en action. On peut dire en effet que je fige un instant entre deux états, deux moments. Le plâtre se prête particulièrement à ces expérimentations. 

Puisque nous en sommes à chercher les pistes qui constituent ton travail, j’aimerais rappeler un texte de Jean- Christophe Bailly où il indique que l’œuvre comme résultat est un intercalaire entre ce qui se fait et ses interprétations. Résultat d’abandons, de résistance, de séparation, de quantité d’hypothèses. Or il y a dans ton travail un mouvement mais sans déplacement. Mouvement que l’humour vient parfois désamorcer mais qui n’efface pas cette inquiétude baroque de la tension contre l’effondrement. Peux-tu dire comment les solutions plastiques sont venues, si elles se sont imposées en renonçant à quoi par exemple ? Est-ce que le résultat est un acte « conscient » ou as-tu le sentiment que c’est plus l’œuvre qui commande ?

Je dirais que l’œuvre propose aussi, plutôt qu’elle  ne«commande». Il y a à chaque fois comme une forme de bataille qui s’engage entre les matériaux et moi. Entre leurs propriétés et mon intention. Avec le plâtre, sa prise rapide oblige à l’urgence dans la mise en forme. Même si les chemins du résultat visé ont bien été étudiés en amont, au moment où ça se passe, il faut agir rapidement, souvent changer d’option ou parfois continuer sur une autre piste qui s’est révélée après coup. Une fois débarrassée de son enveloppe, la chose née peut rester telle quelle, servir en tant que fragment pour une sculpture future ou terminer dans un sac à gravats, encore fumante. Donc l’œuvre comme résultat d’abandons, de résistances... En partie, oui. Le résultat procède de choix avisés tout de même !Il m’arrive de faire réaliser des éléments par d’autres artisans, pour les besoins d’une pièce. Où d’aller choisir un morceau avec une idée précise. Mais d’une manière générale, j’utilise des résidus qui m’entourent, des choses mises de côté, beaucoup de chutes de bois en tout genre issues de mes chantiers de menuiserie.

Si certaines pièces comme les tôles froissées ou pliées ont l’autonomie d’être à la fois une surface intérieure et extérieure selon comme on les regarde, les poches contraintes ou les boudins sont dépendantes d’une architecture, une structure qui va comprimer une forme molle sans d’ailleurs qu’elle en conserve l’empreinte. J’aimerais que tu reviennes sur ce point limite. Car ça commence comme un moulage, du semi-liquide qui rencontre une matrice, ça passe de l’informe à un modelé « sans volonté, hasardeux » ?

Je ne cherche pas à répliquer une forme exacte et ses détails comme on le fait avec le moulage. Il s’agit de faire apparaitre quelque chose qui n’existait pas au préalable. C’est le choix du contenant, son élasticité ou au contraire, mais plus rarement, sa forme figée et construite en amont qui détermineront en partie le résultat. Je ne contrôle pas vraiment l’affaissement du volume dans le cas des poches. Je le guide mais souvent, il échappe. Contenu dans son enveloppe, toujours prêt à éclater. Et puis il y a aussi ces structures que je fabrique avant, sans volonté esthétique initiale, avec ces chutes de bois autour de moi, qui vont contraindre, comprimer, la poche encore molle, jusqu’au moment que j’ai envie de figer. Ces structures feront partie intégrante de la pièce finale ou resserviront, modifiées, pour d’autres expériences.

L’œuvre est donc bien le résultat de toutes ces combinaisons : de choix et d’abandons, d’accidents et de changement d’options. Alors oui, je rejoins Bailly, on le fabrique ensemble, ce résultat, l’œuvre et moi.

Y a-t-il un lien avec la photographie et la vidéo que tu as pratiquées ?

Que je pratique toujours. Moins souvent, c’est vrai. Pas assez immédiat peut-être... Le lien qu’il pourrait y avoir serait sans doute avec cette idée d’une « version des choses ». J’imagine que tout artiste propose des « versions des choses »… En général les miennes s’appuient sur une scène, un décor réel pour aller vers quelque chose de plus improbable. Avec humour là aussi, souvent. Comme avec les objets auxquels je colle une histoire, mes photomontages ou mes vidéos proposent un bref récit. Une situation, un moment, qui aurait eu lieu alors qu’il n’a jamais existé. Sur le fil du vraisemblable. On retrouve la question que tu as posée : « Que voit-on exactement ?».

Même si je me consacre surtout à la sculpture depuis une dizaine d’années, je retourne vers la vidéo et l’installation de temps en temps. Au gré des idées qui durent. La dernière, «Schubert, Brendel, Lucien» est née de captations de concert d’Alfred Brendel trouvées sur internet. Au delà de mon goût prononcé pour Schubert (que j’ai déjà utilisé au cœur d’une autre installation), c’est le jeu de l’interprète, tant physique que musical qui m’a fait en produire «une autre version». Comme une série de possibles, là aussi, où Brendel se plierait à mon jeu. Avec ce qu’il a à m’offrir et ce que j’ai à ajouter, pour voir. Un hommage, plus qu’une raillerie, bien sûr. 

L’objet et l’image peuvent aussi s’associer, pour encore «une autre version». La dernière pièce protéiforme que j’ai réalisée avant de m’aventurer vers la sculpture, était une sorte de conclusion à mes expériences de manipulations de l’image et du sujet. Gestalt XXX met en scène l’image en tant qu’objet à observer, à manipuler. Des fragments les plus élémentaires qui la composent, jusqu’à l’ensemble qui signifie.Les différents procédés utilisés sont autant de moyens qui permettent à la fois de décortiquer l’image, de la transformer, de la dissimuler et de la révéler. La théorie de la Gestalt soutient que la perception globale d’une forme précède celle de ses éléments. Le tout étant différent de la somme de ses parties. 

Alors que voit-on vraiment ? 
Difficile de le savoir.